Il ritorno dei Grimoon prende il nome di Le Déserteur, titolo sul quale si sviluppa il concept del disco. Il tutto nasce dalla conversazione della cantante/tastierista Solenn con la nonna, capace coi suoi racconti sulla Seconda Guerra Mondiale e lo Sbarco in Normandia di toccare l’anima della nipote al punto da spingerla a descrivere tutto ciò in un disco. Il rock della band ha quindi preso una piega decisamente più cupa, dove i testi giocano da protagonisti e la musica fa da perfetta cornice a stati d’animo contrastanti. Il tutto con la solita classe. Il sestetto ha dalla sua gran gusto ed esperienza, elementi fondamentali quando si fa della musica così fuori dagli schemi. “Le Déserteur” non è il classico lavoro da chart radiofoniche, tutt’altro. E’ un lavoro destinato all’ascolto privato, a far riflettere. Perchè in fondo non trasmettere “emozioni forti” attraverso pezzi strappa lacrime o dance non è poi un male no? Il cantato in lingua francese rende ancor più intimo l’ascolto, lasciando poi a “Draw On My Eyes” il compito di sorprendere attraverso la collaborazione con Pall Jenkins (cantante dei Black Heart Procession e produttore del disco).
In conclusione Le Déserteur ci mostra ancora una volta la caratura di una band che pare non perdere mai lo smalto di un tempo.

Ché quando Curzio Malaparte scriveva “Maledetti toscani” non aveva che ragione. Mi si presenta oggi un disco che vedrà i riflettori delle scene tra poco meno di un mese (14 febbraio 2012): la copertina curata dall’artista statunitense Sanya Glisic è inquietante e surreale come un quadro di Bosch (erano dieci giorni che mi ronzava in testa la voglia di usare il pittore a metro di paragone e finalmente ce l’ho fatta), mescolando in un ambiente simil cittadino demoni zannuti e cornuti e un uomo dal sorriso disturbato che abbraccia tutto. Un titolo campeggia in alto, Pacifico, il gruppo è Bad Love Experience e questo loro terzo traguardo discografico segna l’ingresso nel roster della Black Candy records (cui si affianca alla pubblicazione Audioglobe e per il vinile la Tannen records).
E, guarda un po’, i protagonisti son toscani.
Questi quattro ragazzi di livorno (ma per capirlo ho dovuto leggere il comunicato, che mai l’avrei detto, ops, temo di aver appena confessato la mia ignoranza), reduci dalla candidatura al David di Donatello per la miglior canzone (21st Century Boy, presente nella colonna sonora de La prima cosa bella di Paolo Virzì), in una quarantina di minuti propongono schitarrate prorompenti come in Devil in the town accostandoci poi ballate folk come Dream eater e suoni armonizzati dal sapore brit pop. Il loro rock è piacevole, orecchiabile e, in una parola, fresco.

Qualche giorno fa, in un giornale dalla quasi incontestabile autorevolezza, si leggeva che il rock aveva i giorni contati e poteva chinare pure la testa di fronte alla scure boiaccia del pop. Ora, non per contraddirvi in pubblico, cari giornalisti mainstream, ma forse dovreste pesare un po’ più la vostra attenzione a quel che la scena, soprattutto indie, propone.
Per chi cerca una conferma in questo gruppo di capaci musicisti italiani, scoprirà un disco in grado di stupirlo e fortunatamente anche questa volta in bene.
Buon ascolto.

TRACKLIST
01 The kids have lost the war PT. I
02 The kids have lost the war PT. II
03 Devil in town
04 That country road
05 Old oak wood
06 Dream eater
07 Cotton candy
08 Dawn ode
09 Rotten roots
10 The princess and the stable boy
11 Samba to hell
12 Words in the wind
13 The kids have lost the war PT. III
14 The kids have lost the war PT. IV

Utopie e piccole soddisfazioni

All’interno di questo clame co-esistono ventuno brani, in cui la voce è poco più che il pizzico di sale in un condimento strumentale spontaneo, concitato e altamente rumoroso, che già nei singoli titoli delle tracce rivela il suo essere lisergico, il bisogno di urlare un sonoro vaffanculo al cielo.
Dal punto di vista strettamente musicale, il disco viene aperto con Incipit dall’ingessato discorso di fine anno di un vecchio Presidente della Repubblica e, per i successivi trenta minuti, oscilla da un hardcore-punk anni ottanta, vero leitmotiv di tutte le tracce, a cori aulici, canti tradizionali, componimenti per orchestre da camera e urla agghiaccianti, terminando con un requiem di archi dal titolo Finale – Con rassegnazione. Nel mezzo tra gli altri brani una cover molto personale dei CCCP Valium Tavor Serenase, Intermezzo l’unico pezzo dell’album privo di interferenze hardcore e Le armi in fondo al mare il migliore dei ventuno.

Utopie e piccole soddisfazioni è uno di quei dischi che mette addosso la voglia di affaticare oltre misura i polmoni o almeno le corde vocali, il che non lo inserisce per direttissima tra i miei preferiti, o almeno non ne fa un disco che ascolterei quotidianamente, ma senza dubbio in tutto il suo essere disturbato, manifesta un sentimento di espulsione della rabbia interiore fagocitandolo in archi, percussioni, distorsioni e cannibalizzazioni vocali sinistramente piacevoli.
E musicalmente si devono avere le contro-palle per fare un disco con questi intenti così ben riuscito.
Buon ascolto.

 
Tracklist
1. Incipit
2. Vorrei Sposare Un Vecchio
3. Utopie
4. Sangue In Bocca
5. Costruirò Un Castello Per Lei
6. E’ sempre La Solita Storia, Ma Un Giorno Muori
7. Valium Tavor Serenase
8. You’re Enough
9. Lasciate Che I Potenti Vengano A Me
10. Remerda
11. Intermezzo
12. Il Convento Sodomita
13. Terrore Nel Triregno
14. Mi Fai Schifo
15. Il Bimbo
16. Lutto Della Testa
17. Piccole Soddisfazioni
18. Popolo Bue
19. Le Armi In Fondo Al Mare
20. Transexualismo
21. Finale – Con Rassegnazione

Lo split è da sempre un formato molto gettonato nel panorama grind, diverse infatti le produzioni che vedono confrontarsi nomi di spicco a interessanti realtà. Il caso di 9 Psalms Of An Antimusic To Come è leggermente diverso, in quanto ci troviamo di fronte a due nomi ormai consolidate nella suddetta scena. E allora a che serve uno split? A divertirsi innanzitutto, a sperimentare, a far vedere che in fondo, non è affatto vero che suonare certi tipi di musica porti a fossilizzare il proprio estro. In nove brani queste due band mostrano a chiare lettere una grande capacità, quella di sapersi mettere in discussione optando per soluzioni rischiose ma mai avventate. Basti infatti pensare al modo in cui è stato preso questo lavoro dagli Antigama, che in quattro brani vanno a piazzare alternanze ritmiche, elettronica, giri di chitarra tamarri (quest’ultimo termine prendetelo con le dovute proporzioni) per poi chiudere in bellezza con un outro decisamente inutile nel complesso. In poche parole pregi e difetti del fare grind insomma. Chi invece non ha timori a mostrare il proprio lato bastardo sono i Psychofagist, che da bravi manovali nei loro cinque brani pestano senza pietà mettendo al tappeto chiunque, persino i compagni di split Antigama. La fame o se vogliamo il modo di prendere in considerazione questa opportunità è stata concepita in maniera diversa dalle due band, con gli Antigama più propensi a chiudere in fretta la loro parte e i Psychofagist a far sì che anche in questa occasione si possa parlar di loro in maniera positiva. E così è stato. 9 Psalms Of An Antimusic To Come è un lavoro interessante, che sa offrire spunti e una visione insolita di ciò che viene comunemente definita musica estrema.

Non mi capita spesso di ascoltare un disco di musica italiana in grado di tenere talmente ancorata la mia concentrazione, da consentirmi di scrivere durante l’ascolto. E forse l’incantevole malinconica bellezza di Un meraviglioso declino (42Records), primo lavoro cantautorale di Colapesce, progetto musicale dalle piacevolissime quanto orecchiabili sonorità, si nasconde qui.  Molte le collaborazioni che hanno reso ancor più straordinaria la piacevolezza delle tredici tracce: Roy Paci e Grazia Negro (anche padroni di casa della tappa di registrazione leccese passata anche per Milano e Bologna), e Alessandro Raina (Amor Fou) e Mirko Onofri (Brunori Sas).

Ascolterete un disco che parla d’amore e che mi ha fatto immaginare scene di intenso dialogo con se stessi, simili a quando si è abbastanza distanti dalla persona amata da poter lasciar scivolare la sincerità e liberare senza timidezza alcuna o remora la propria emotività, magari su carta dove non si è nemmeno costretti ad ascoltarsi vivendo nella paura di dire male qualcosa. Potrebbe essere una dedica, una lettera dal fronte quotidiano delle relazioni, in cui la chitarra acustica (come in Restiamo in casa e Satellite) diventa lo strumento con cui parlare, circondato da un ambiente di percussioni a fare da accompagnamento.
Adesso avete poco più di cinquanta minuti per scrivere la vostra lettera, leccare il francobollo, spedirla al vostro amore distante.
Buon ascolto.

Il 2011 segna l’anno di svolta per i sardi Eskimada che finalmente ottengono la meritata notorietà grazie alla firma con la Red Cat Promotion e la conseguente pubblicazione del loro album omonimo.
Con un sound vicinissimo alla scena nu-metal dei Korn “contaminato” a tratti da un post/harcore più melodico e pacato, il gruppo riesce a snodare molto bene le proprie capacità sia vocali che strumentali, senza andare fuori tema pur variando di colpo l’andamento del disco.
L’inizio di voci e cori cauti e moderati non deve trarre in inganno, perchè già da “Stand” cominciano ad apprire le scene caratterizzanti, dagli andamenti veloci e ristretti poi co-partecipi a voce e strumenti. Successivamente ecco spuntare in “Hero” la compente che si potrebbe definire a cavallo tra progressive e post-grunge. Piega melodico-onrica per “Interludio”, tra le atmosfere zen e le chitarre acustiche di sottofondo; post-hardcore davvero ben riuscito per “The 16th minute”, dove le melodie si districano sinuosamente tra cantato clean e scream i quali a loro volta si trascinano fino alla chiusura di “Action”, affermando il riuscito “colpo grosso al gatto rosso”.

“Ormai” è uscito da una decina di giorni e se la recensione la faccio solo adesso il motivo è che mi son preso del tempo… Non biasimatemi ma era quantomeno doveroso, insomma S F O R T U N A l’ho letteralmente consumato e non è un eufemismo. Credo di aver cantato ogni pezzo a squarcia gola in qualsiasi situazione, sotto la doccia, in macchina, da solo, in compagnia, da sbronzo, durante cene eterne a parlare di musica e chi più ne ha più ne metta. Ora ho qualcosa di nuovo da mettere sotto la voce #comeperderelecordevocali!

La prima notizia bomba è stata che anche questa nuova uscita è scaricabile gratis dal loro sito, come i precedenti d’altra parte, ma per una band che viene da una tournée che ha raccolto così tanti consensi è una gran cosa. Disco, copertina e testi in un bel pacchetto compresso comodo comodo, anche se due minuti per mettere i tag alle canzoni li avrei persi.

Il primo ascolto purtroppo però mi è scivolato via senza quasi che me ne accorgessi, ok, forse non era il mood giusto lo ammetto, se esci da una fabbrica dove stampano vinili sei sicuramente troppo colmo di entusiasmo per prestare attenzione ad altro. Per questo me la sono presa comoda,  ho voluto vedere se fosse un album di quelli che han bisogno di più tempo e dopo una buona dose di ascolti posso dire che non mi ha ancora convinto.
E’ senza dubbio un buon disco registrato molto bene e musicalmente più curato, non è una frase fatta, se fai parte della Tempesta un motivo ci sarà eccome. Ma le atmosfere, se pur cupe e irrequiete, non hanno quello stesso graffio che potevi sentire in pezzi come “Buio” o quella frustrazione quotidiana di “Natale”.
C’è una sorta di rassegnazione, di resa, come se la rabbia dei ricordi si stesse dissolvendo. A me ha dato questa sensazione fin da subito, già con “Dublino”, probabilmente il racconto di una stanca routine ed è come se i testi si riflettessero nella musica o nella pasta che si crea mettendoli assieme. Proseguendo nella tracklist arrivi poi a canzoni come “Sasso” o “Paese” e ti ritrovi in quei bei crescentoni coinvolgenti che vorresti sentire S E M P R E, ma pian piano arrivi in fondo ad un bel disco in cui io non ho trovato la stessa sensazione di estraneazione dai miei casini.

Forse dopo così tanto tempo mi aspettavo troppo io e mi ricrederò, ma penso che la più grossa sfortuna di “Ormai” sia stato proprio S F O R T U N A.

Far le cose bene senza strafare è sempre la scelta migliore. I Super Dog Party sono una band cresciuta con il punk’n’roll nel sangue e a cui il funk piace parecchio. Non è certo un caso che il fondatore sia Alessandro Peana, già attivo anni or sono nei punk rockers Boomers e oggi mente di questo nuovo progetto. The Big Show è un disco la cui semplicità permette un ascolto fluido e spensierato, sette brani dove il sound anni 70/80 è protagonista e dove i richiami al garage punk nordico offrono quel qualcosa in più che ogni produzione dovrebbe avere. Un lavoro assai esterofilo dove il trio mostra tutta la sua competenza nel saper trasformare la passione per il rock’n’roll in brani efficaci soprattutto se pensati in chiave live. Entusiasmo e vibrazioni positive non mancano mai nel cocktail offertoci dai Super Dog Party, attenti anche a mostrare il loro lato più soft con la ballatona “Greyhounds’ City”, molto yankees nel suo mix voce/chitarra.
Un buon lavoro insomma, consigliato ovviamente a chi non può fare a meno di avere un alto tasso di adrenalina in corpo.